История одной картины 🕘 история названий (1)

​Рёв разъярённой стихии, треск ломающихся мачт и роковой заговор сирен, чье гипнотическое пение завлекает корабли на острые прибрежные рифы. За пределами мрачной гротовой пещеры бьются беснующиеся зеленые волны, а у подножия скал тонет гибнущее судно. Картина «Пещера штормовых нимф» была написана викторианским художником Эдвардом Джоном Пойнтером в 1903 году. В полутёмном гроте разворачивается гипнотический ритуал беспечной жестокости. Три нагие нимфы — сирены, заманившие моряков на гибель, — с равнодушием делят дары тонущего галеона. Одна из сирен, восседая на валуне, наигрывает на диковинной кифаре из раковины, продолжая свой губительный мотив. Другая с изящным азартом протягивает ладонь к падающим золотым монетам, а третья безмятежно замерла на песке, отдыхая среди разбросанных драгоценностей, жемчужных нитей и вымытого волной сундука. Пойнтер строит композицию на контрасте тихой, откровенно чувственной неги внутри грота и смертоносного хаоса снаружи. Тёмные, влажные своды пещеры рамкой обрамляют залитый пеной проём, где на заднем плане погибает огромный корабль. Фарфоровая гладкость женских тел противопоставлена суровой фактуре холодного камня, мокрым бревнам обломков и блеску разбросанного золота, подчеркивая мотив безжалостной красоты, презирающей человеческую жизнь. Эдвард Джон Пойнтер (1836–1919) — один из крупнейших мастеров британского академизма, президент Королевской академии художеств. В этой поздней работе викторианский мастер доводит до совершенства академический рисунок и работу со светом, превращая миф об опасных морских девах в живописный манифест роковой женской силы (femme fatale). Сегодня это полотно хранится в коллекции Мэрии Нофант-Вэлли в Великобритании.

​В каких облаках витает мама? Предлагаю сегодня взглянуть на картину «Поэтесса», созданную швейцарским художником Фрицем Цубер-Бюлером в 1880 году. На ней изображена женщина с загадочной улыбкой на лице, погружённая в свои мысли. Она кажется оторванной от реальности, не замечая ни своих детей, ни мужа, который с грустью наблюдает за её состоянием, но не знает, как помочь. Что же происходит в этой семье? Главной героиней произведения является именно поэтесса. Она так увлечена созданием нового шедевра, что не может уделить время ни детям, ни супругу. Дети, в свою очередь, скучают по общению с матерью и кружат вокруг неё, ожидая её внимания. Семья находится в небольшой комнате. Судя по наклонному окну — это мансарда, и, возможно, они живут небогато. Но обстановка уютная: на столе дымится кофейник, мебель хоть и простая, но хорошая. Судя по разбросанным на полу черновикам, муза сегодня капризна, и работа не идёт. Но в позе поэтессы нет отчаяния — скорее, терпеливое ожидание вдохновения. Возможно, она провела за стихами всю ночь, а теперь пьёт утренний кофе, пытаясь поймать ускользающую мысль. В это время её дети явно ждут завтрака и внимания. Старшая дочка, упрямо облокотившись о стул, смотрит на мать с немым вопросом. Отец, кажется, не знает, как разорвать этот круг: ему жаль и детей, и погружённую в себя жену. Интересно, что картина была написана в эпоху, когда в Европе только зарождались разговоры о правах женщин. Возможно, её героиня — не просто мечтательница, а одна из первых, кто пытался совместить творчество, материнство и роль кормилицы, если муж вдруг потерял работу. Её внутренний мир, полный рифм и образов, явно конфликтует с миром внешним, где нужно кормить, убирать и утешать.

"У Вселенной на меня план", Василий Голубев 2017г. Василий Голубев — один из ярких представителей художественной группы «Митьки». Пишет картины в стиле примитив , как правило сопровождаются какой-то смешной подписью – названием. Но на самом деле его, казалось бы, мультяшные работы — это некие внутренние монологи, доступные избранным. Художник превращает свою картину "У Вселенной на меня план" в короткую душевную историю из мыслей простого человека.

Добрая ирония наивной живописи Валентина Алексеевича Губарева Картины белорусского художника, считавшиеся «неуместными» в перестроечное время, спустя годы начали вызывать ажиотаж. Он продолжает рисовать «так, как есть на самом деле», чтобы было похоже на «предмет искусства, который вызывает у зрителя лишь блаженно-утробное удовольствие».

Северные традиции и вековой уклад крестьянской жизни всегда обладали суровой поэзией, где духовное неразрывно сплеталось с простым бытом. В культуре Финляндии сауна издавна являлась чем-то значительно большим, нежели просто местом для мытья: здесь очищали тело и душу, врачевали болезни и отдыхали после тяжелого физического труда. Картина «В сауне» (Saunassa) написана финским художником Акселем Галлен-Каллелой в 1889 году. На холсте перед зрителем разворачивается сюжет традиционного банного ритуала в финской бане по-чёрному. На переднем плане стоит молодая девушка с аккуратно заплетённой косой. Она тянется к каменному очагу, готовая плеснуть воды на раскалённые валуны, чтобы поддать очередную порцию благотворного пара. Чуть левее разворачивается трогательная и простая бытовая сцена: крестьянка заботливо моет голову пожилому мужчине. В его позе читается усталость от нелёгкого деревенского труда, а в её движениях — естественная забота. На верхней полке, у самого потолка, скрывается в клубах пара и полумраке несколько фигур, подставляющих тело самому горячему сухому зною. Идея полотна зародилась у художника во время его поездок по финской глубинке — в коммуну Кеуруу и волость Ямся, где он с жадностью впитывал архаичный быт и суровую природу края. Стремясь к максимальной достоверности, Аксели Галлен-Каллела оборудовал временную мастерскую в настоящей курной бане бревенчатого хутора. Моделями для персонажей выступили местные крестьяне: в образе пожилого мужчины у ушата художник запечатлел местного слепого бедняка по имени Райя-Ахо, а для фигуры стоящей у печи девушки позировала юная крестьянка. Аксели Галлен-Каллела (1865–1931) — ключевая фигура финского искусства, основоположник национального романтизма и мастер, подаривший миру монументальные иллюстрации к карело-финскому эпосу «Калевала». Получив классическое художественное образование в Париже и испытав сильное влияние европейского натурализма, он сделал осознанный выбор в пользу воспевания самобытной культуры, природы и сурового характера своего народа. Сегодня полотно находится в коллекции Художественного музея Атенеум (Хельсинки, Финляндия).

​«Ростовщик» В квартире, превращённой в ломбард, всегда царит тягостная атмосфера. Только крайняя нужда заставляет людей переступать ненавистный порог замусоренной передней. Картина «Ростовщик» написана Михаилом Ватутиным в 1896-м году. К заимодавцу пришла семейная пара, попавшая в трудное финансовое положение. Супруги принесли лисий салоп, две пары обуви и ещё кое-какую мелочь, увязанную в небольшой узел. Прежде семья имела недурной достаток. Муж торговал или держал мастерскую, но по неизвестным причинам его дела расстроились. Чтобы покрыть долги, обнищавшее семейство понемногу распродаёт имущество. На женщине надето хорошо пошитое платье, мужчина же успел распрощаться с приличной одеждой. На смену брюкам и сапогам пришли куцые залатанные штаны и стоптанные туфли. Скупец-хозяин дёшево оценил заклад. Несколько монет, вырученных за вещи, вряд ли поправят ситуацию. Перебирая в ладони медные гроши, герой в красной рубахе с ненавистью смотрит на процентщика. Барышня с покрасневшим и припухшим от слёз лицом старается уговорить скрягу хоть немного набавить цену. Хитрый делец внимательно слушает героиню, но денег не добавляет, ссылаясь на качество товара: и мех местами свалялся, и подмётки заметно потёрты. На полках прихожей можно разглядеть некоторые предметы, заложенные предыдущими посетителями. Это самовары, керосиновая лампа, рама для картины. На гвоздике висит ружьё, а в правом верхнем углу за перилами виден граммофон. Сегодня полотно Ватутина хранится в частной коллекции.

«Фавн и нимфа», Франц фон Штук 1892 г. Холст, масло. 63×64 см. Национальная галерея в Праге Вдохновлённый творчеством Арнольда Бёклина, немецкий живописец и скульптор Франц фон Штук ( 1863 — 1928) писал паряще-нереальные картины на сюжеты из мира фантазий и аллегорий, символические образы Его творчество давно привлекает атмосферой - его картины сочетают в себе тягучий символизм, так свойственный тому времени, притягательную эротическую составляющую и инфернальные сюжеты, вдохновлённые, главным образом, древнегреческой мифологией и библейскими мотивами.

​Почему Гамлет так жесток с Офелией? Сегодня хочу показать вам картину французского художника Гуго Мерле «Гамлет и Офелия», написанную в 1873 году. Чтобы понять, что здесь происходит, придётся немного вспомнить саму пьесу Шекспира. Я, например, уже плохо помнила эту сцену, а без предыстории многие детали картины вообще непонятны. Гамлет и Офелия любили друг друга. Но после смерти отца жизнь принца резко меняется. От призрака погибшего короля он узнаёт, что того убил собственный брат Клавдий, который затем занял трон и женился на матери Гамлета. Принц решает притвориться безумным, чтобы разобраться в произошедшем и понять, действительно ли Клавдий виновен. Тем временем Офелия по настоянию своего отца Полония прекращает встречи с Гамлетом. Когда принц начинает вести себя странно, Полоний решает, что причина его безумия - несчастная любовь. Чтобы проверить эту догадку, он вместе с королём устраивает ловушку. Офелию специально оставляют одну там, где должен пройти Гамлет, а сами мужчины прячутся и подслушивают их разговор. Именно эту сцену и написал Мерле. Гамлет стоит у окна, а перед ним Офелия с книгой в руках. Во время разговора она пытается вернуть ему подарки, которые когда-то получила от него. Гамлет сначала говорит, что любил её, затем отказывается от собственных слов и несколько раз повторяет знаменитую фразу: «Ступай в монастырь». Гамлет отказывается от прежних признаний в любви и говорит с девушкой настолько резко, что та совершенно теряется. Но во время разговора происходит любопытный момент. Гамлет вдруг спрашивает: «Где ваш отец?» Офелия отвечает: «Дома». Хотя Полоний в это самое время находится совсем рядом. Отсюда и появилась версия, что принц догадался о слежке и понял, что встреча была подстроена. Тогда становится понятнее и его резкость. Гамлету приходится продолжать изображать безумие перед Клавдием, а заодно он чувствует себя обманутым Офелией. Впрочем, сама девушка тоже оказалась в сложном положении: она подчиняется отцу и, возможно, даже не представляет, к чему приведёт эта проверка. Мне кажется, именно поэтому Мерле и выбрал этот момент. На картине всего четыре человека, но каждый знает лишь часть правды. Полоний уверен, что разгадал причину безумия принца, Клавдий пытается понять, насколько опасен Гамлет, Офелия растеряна, а сам Гамлет, возможно, уже раскусил их план. Картина долгое время считалась утраченной и вновь появилась на публике только в 2016 году. Сейчас «Гамлет и Офелия» находится в частном собрании.

​На картине - изобилие. За окном - голод и революция. Художник писал эту картину прикованным к инвалидному креслу. 1918 год. Петроград. Холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе - так писал Кустодиев в письме другу. Жена ходила пилить дрова за плату дровами. Семья продавала личные вещи. В это время Кустодиев, прикованный к инвалидному креслу, писал самовар, арбуз, персики, варенье, белый пышный кренделей и румяную красавицу за столом. "Купчиху за чаем" - одну из самых радостных и сытых картин в русской живописи. Кустодиеву нужна была пышная модель, а в его окружении таких не было. Жена посоветовала пригласить соседку. Ею оказалась Галина Адеркас - студентка медицины, баронесса из рода, ведущего историю с XIII века. Одни считают, что Кустодиев иронизирует над купеческим бытом. Другие — что это искренняя ностальгия по ушедшему миру, который художник любил и которого больше не существовало. Сам он не оставил однозначного ответа. Картина впервые была показана в 1919 году на Первой государственной выставке в Зимнем дворце. Сейчас хранится в Русском музее в Санкт-Петербурге.

​Почему на пляже Валенсии купаются больные дети? Честно говоря, когда я впервые увидела эту картину, я засомневалась - выкладывать её или нет. Слишком тяжёлый и печальный сюжет. Но потом решила, что такие работы тоже важны. Хоакин Соролья, испанский художник-импрессионист, написал «Печальное наследство» в 1899 году, и эта картина сильно отличается от его привычных солнечных, жизнерадостных пляжных сцен. На первый взгляд здесь тоже есть море, песок, купающиеся дети. Но всё выглядит иначе. Море не сияет яркими бликами, не переливается бирюзой - оно тёмное, почти чёрное, с белыми гребнями холодных волн. Верхняя полоска вечернего неба бледная и безрадостная. Солнца много, но его свет не кажется тёплым. Он какой-то беспощадный, высвечивающий то, что хотелось бы спрятать. А высвечивает он мальчиков - жертв эпидемии полиомиелита, которая свирепствовала в Европе на рубеже XIX–XX веков. Это дети из приюта при монастыре. Их тела искалечены болезнью: искривлённые ноги, тонкие, почти прозрачные руки, костыли, на которые они вынуждены опираться. Кожа у них неестественно бледная - для испанских детей, живущих под ярким солнцем, это выглядит неестественно. Солнце, видимо, редко касается этих ребятишек. Они словно пришли из другого мира - тёмного, сырого, где света почти не бывает. Большинство мальчишек уже в воде. На переднем плане - те, кому труднее всего спуститься к морю. Костыли вязнут в рыхлом песке, каждое движение даётся с огромным усилием. Рядом с ними высокий монах в чёрной сутане. Он помогает им, поддерживает, крепко и уверенно держит подростка, который пытается устоять на костылях. Ветер развевает его одежду, лица почти не видно - только затенённый строгий профиль. Монах выполняет свой долг, заботится о больных детях, старается подарить им хоть немного радости. Но от этой фигуры, как и от чёрного моря, веёт холодом и суровостью. Обычно Соролья писал валенсийские пляжи как праздник жизни - золотой песок, сияющее море, счастливые купальщики. Но здесь нет ни веселья, ни тепла. Есть боль, есть болезнь, есть тяжёлая ноша, которая выпала этим мальчикам. И от этого «Печальное наследство» - пожалуй, самая сильная работа художника. Сегодня картина хранится в Фонде Банкаха в Валенсии.